Utopía
(Joan Manuel Serrat)

Se echó al monte la utopía
perseguida por lebreles que se criaron
en sus rodillas
y que al no poder seguir su paso, la traicionaron;
y hoy, funcionarios
del negociado de sueños dentro de un orden
son partidarios
de capar al cochino para que engorde.

¡Ay! Utopía,
cabalgadura
que nos vuelve gigantes en miniatura.
¡Ay! ¡Ay, Utopía,
dulce como el pan nuestro
de cada día!

Quieren prender a la aurora
porque llena la cabeza de pajaritos;
embaucadora
que encandila a los ilusos y a los benditos;
por hechicera
que hace que el ciego vea y el mudo hable;
por subversiva
de lo que está mandado, mande quien mande.

¡Ay! Utopía,
incorregible
que no tiene bastante con lo posible.
¡Ay! ¡Ay, Utopía
que levanta huracanes
de rebeldía!

Quieren ponerle cadenas
Pero, ¿quién es quien le pone puertas al monte?
No pases pena,
que antes que lleguen los perros, será un buen hombre
el que la encuentre
y la cuide hasta que lleguen mejores días.
Sin utopía
la vida sería un ensayo para la muerte.

¡Ay! Utopía,
cómo te quiero
porque les alborotas el gallinero.
¡Ay! ¡Ay, Utopía,
que alumbras los candiles
del nuevo día!

Expresionismo alemán

Pintura expresionista alemana

El expresionismo surge en Alemania, en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzscheana (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital sin someterse a ninguna regla.

El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes.

En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos:

1) En 1905, se desarrolla en Dresde a raíz de la constitución del grupo Die Brucke (El Puente) y dura hasta 1913.
2) Munich de 1910 a 1914, y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul) del que surgirá la primera pintura abstracta.
3) En el periodo de entre guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los grupos citados.

El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia.

El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.

Características principales del movimiento en pintura

- La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior (de carácter instintivo y exaltada en Die Brucke y de carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter).
- Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.
- Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
- Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de ánimo.
- Destrucción del espacio tridimensional.
- Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.
- Aglomeración de formas y figuras.
- En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die Brucke y de líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue Reiter.
- Colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en Die Brucke y de forma más meditada en Der Blaue Reiter).
- Ausencia de carácter decorativo.
- Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de la naturaleza.

Algunas influencias

1. Del posimpresionismo y del simbolismo nórdico, las actitudes estéticas de artistas como Van Gogh, Gaugin, Munch o Ensor.
   
2. Del arte "primitivo" (escultura africana y oceánica) y de los dibujos infantiles, la expresión de fuerza y vida y las formas simples.
   
3. De la xilofrafía alemana, los trazos incisivos, los contrastes bruscos y los esquemas angulares.
   
4. Del cubismo y del fauvismo, el reduccionismo de las formas y la viveza del color.
   

Artistas

Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880- Frauenkirch en Suiza, 1938), pintor expresionista, es uno de los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde que fundaron el grupo expresionista Die Brücke en 1905.

Breves

1. Kirchner fue a estudiar arquitectura a Dresde en 1901.
   
2. En 1903 marchó a Munich a estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes.
   
3. En 1905 fundó con otros estudiantes el grupo Die Brücke (El puente), que pretendía un estilo plano de colores puros inspirado en el arte primitivo. Este grupo y Der Blaue Reiter formaron la segunda oleada expresionista.
   

Siguió viviendo en Dresde hasta 1911. Después se marchó a Berlín, donde supo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, es movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa.

A su vuelta de la guerra en 1915, se trastornó profundamente. Estuvo en Alemania y, a partir de 1917, en Davos (Suiza). En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de "arte degenerado" y muchos de sus trabajos fueron destruidos. Se suicidó en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.

Se interesó mucho por el grabado sobre madera. Kirchner cultiva formas angulosas que pueden estar inspiradas en la descomposición cubista o en el diseño normal de los grabados xilográficos.

Algunas obras del artista

Ernst Ludwig Kirchner: Potsdamer Platz, (1914 Öl auf Leinwand)

Ernst Ludwig Kirchner, Akt auf blauem Grund, 1911, Öl auf Leinwand.

El Gobierno avanzará en la Ley de Educación Superior

Jueves 15 de marzo de 2007 Actualizado 12:38 hs (hace 4 horas 48 minutos)

Noticias Cultura Nota

Así lo informó el ministro de Educación, Daniel Filmus, en un acto que encabezó el presidente Kirchner; "Es una asignatura pendiente", señaló

El Gobierno avanzará este año en la sanción de la Ley de Educación Superior porque "es la asignatura pendiente" en el sistema de enseñanza del país, según afirmó el ministro del área y candidato a jefe de gobierno porteño, Daniel Filmus.

Durante un acto encabezado por el presidente Néstor Kirchner en la Casa Rosada, el titular de la cartera educativa sostuvo que el nuevo modelo que se quiere poner en práctica es que "la sociedad sea la principal beneficiaria del trabajo de las universidades".

"La asignatura pendiente que tenemos desde el punto de vista legal, después de haber cambiando la Ley de Educación Técnica y de Educación Sexual y de haber colocado la Ley de Financiamiento Educativo, la Ley de Educación Nacional y la Ley del Salario Docente, es discutir la Ley de Educación Superior para terminar con ese modelo de atraso de los 90", sentenció.

Filmus y su par de Desarrollo Social, Alicia Kirchner, presentaron el registro nacional de acreditación de organizaciones gubernamentales y no gubernamentales que implementen políticas sociales integrales, a través de la colaboración universidades nacionales.

"El registro único tiene por objeto mejorar la calidad institucional de las organizaciones, a través de un trabajo articulado con las universidades nacionales, lo que generará una mejor aplicación de las políticas sociales en todo el país, permitiendo incorporar a la realidad local y a sus actores en esquemas de desarrollas", sostuvo la cartera de Desarrollo Social.

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LA HORMIGA ELÉCTRICA de PHILIP K. DICK

Un director de una importante compañía de seguridad sufre un terrible accidente en un viaje comercial. Al volver a la conciencia en un hospital espacial nota dos cosas: se ha salvado de milagro y le falta la mano derecha. Pero, lo que transforma por completo su vida es haber descubierto que no es un hombre común y corriente, sino una hormiga eléctrica, una invención robótica con rasgos humanos.

Este descubrimiento lo llevará a experimentar con su propio cuerpo, buscando superar las capacidades humanas de percepción, y de manipulación de la realidad hasta las últimas consecuencias.

Volpi, un pintor clave del modernismo brasilero

Publicado en la ed. impresa: Cultura-Jueves 15 de marzo de 2007-Noticias Cultura Nota
Se exhiben por primera vez en la Argentina ochenta obras del artista autodidacta

"Uno pone el primer color. Mira. Pone el segundo. Mira otra vez. Si está bien, uno lo ve. Si está equivocado, uno también lo ve, lo borra y empieza otra vez." Eso es lo más cerca que alguna vez estuvo el artista brasileño Alfredo Volpi de teorizar sobre su pintura, a la vez intuitiva y racional, constructiva y lírica, reticente a toda inclusión en un estilo.

Con una retrospectiva de más de 80 obras de este artista clave de la modernidad brasileña, que se inaugurará hoy y abrirá al público mañana, el Malba comenzará su calendario 2007 de exposiciones. Organizada por el Museo de Arte Moderno de San Pablo, es la primera muestra individual de Volpi que llega a la Argentina, y se podrá visitar hasta el 28 de mayo.

Se trata de un recorrido por el camino estético de un artista profundamente original, que se resistió siempre a encasillar su obra en un estilo o una escuela, que fue y vino de la figuración a la abstracción sin pruritos ni teorías, y que puso en el color y en la composición la preocupación a la que fue fiel durante toda su vida.

"Volpi fue original. Tuvo que serlo. El modernismo brasileño fue el producto de una elite intelectual y financiera a la que, por su condición humilde, no pertenecía. No tuvo información sobre lo que sucedía en Europa, así que hizo un camino personal, que no partió de nadie", dice a LA NACION Olívio Tavares de Araújo, curador de la exposición, estudioso de Volpi y entusiasta de su obra, mientras en las salas se termina de ajustar la iluminación, que va descubriendo los colores vibrantes de las telas. Tavares matiza las explicaciones con anécdotas personales del pintor, a quien conoció y con quien compartió horas en su taller.

Volpi nació en 1896 en Italia y emigró tempranamente a Brasil. De origen humilde, tuvo poca escolaridad formal. Fue obrero y decorador de paredes y nunca dejó de considerarse un artesano. Realizó su obra más significativa en témpera, cortando él mismo los marcos y preparando los pigmentos antes de sumergirse en "resolver", como decía, una pintura.

Recorrido estético

Si Volpi no teorizó sobre su obra, conviene no hacerlo al mirarla y dejarse sorprender. La muestra recibe al visitante con tres de las obras más tardías y reconocibles de Volpi, con los colores vibrantes que se volvieron más activos con la edad y el trabajo.

Volpi no fue un talento precoz. Realizó su primera muestra individual en 1944, a los 50 años, en la que vendió todas sus obras. La exposición se inicia con sus obras figurativas tempranas, de los inicios de la década del 40, pequeños paisajes donde hay una impronta de expresión personal más que de representación naturalista, que no abandonará nunca. La figura humana estará ausente de sus preocupaciones.

Hay paisajes marinos de la ciudad de Itanhaém, en San Pablo, y caseríos y fachadas de época, donde se advierte el periplo que lo llevará a las formas geométricas. Sus fachadas y banderitas de a poco perderán su carácter figurativo para volverse formas que repetirá en sus composiciones.

Hay también cuadros de su período concreto, en los 50 -muy breve, pero casi el único rescatado en la Argentina como influyente-, que Tavares se niega a considerar como tal. "Volpi no es un pintor concreto. Siempre se nota la pintura y la pincelada, se resiste a la prolijidad del concretismo", comenta.

Siguen sus composiciones abstractas que tienen como tema el mar, en el cual las formas sugieren espacios, barcos y velas. Y hay también una serie de sus Madonnas, fruto de su único viaje a Europa, en 1950, en el que se declaró impactado por Giotto. Las últimas obras son las más difundidas: sus series de banderitas que le sirven como elementos pictóricos para ensayar sus dotes de colorista, que producen tanto efectos ópticos como táctiles en los cuadros. Artista disciplinado y prolífico, se han catalogado 2300 obras de su autoría y se calcula que hay unas 700 más.

Aunque en 1954 recibió el Premio de Mejor Pintor Nacional en la segunda Bienal de San Pablo -compartido con Di Cavalcanti, quien nunca perdonó el episodio-, el reconocimiento para Volpi llegó en la década del 70. Murió en 1988, en San Pablo, en la misma casa en la que vivió toda su vida, con su rutina inamovible de pintar sólo con luz natural, hasta las cinco de la tarde.

"Lo que me gusta de Volpi es que da placer verlo", dice Tavares. "Y esa es una de las funciones principales de la pintura, ¿no?"

Por Raquel San Martín
De la Redacción de LA NACION

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Lo que no debemos olvidar...

"La ideología fatalista, inmovilizadora, que anima el discurso liberal anda suelta en el mundo. Con aires de posmodemidad, insiste en convencemos de que nada podemos hacer contra la realidad social que, de histórica y cultural, pasa a ser o a tornarse `casi natural´."

Freire, Paulo: Pedagogía de la autonomía, Edit. Paz e Terra, Sao Pablo, 2004.